Fuera de la iglesia,el órgano apenas gozó de una buena prensa.Durante años,su imagen pública se encontró entre una pista de hielo y una monstruosidad jadeante con problemas catarrales agudos.Como instrumento jazzístico de primera línea,el órgano parecía no tener un futuro real a pesar de breves flirteos con hombres como Fats Waller,Count Basie y Milt Buckner.Apenas tenía movilidad y producía un tono profundamente deprimente que de inmediato sugería imágenes de funerarias mohosas y evangelismo radiofónico.
Sin embargo,las cosas eran muy distintas en la otra cara de la moneda.En las iglesias familiares que se reunían en establecimientos comerciales,el evangelio que se predicaba con pasión no era el que atormentaba con la culpa y amenazaba con el fuego eterno,sino uno genuinamente dirigido a elevar las almas y ofrecer la salvación a los despojados del derecho a voto.En este contexto,el órgano tomó un feliz papel protagonista acompañado por palmas desenfrenadas,repiqueteo de panderetas y,más tarede,acompañamiento adicional de piano,guitarra y batería.Incluso no se descartarón saxos tenores tocando a la manera del ¨walking bass¨(bajo andante) pianítico,en que el bajo toca una nota por tiempo,cuatro por compás.Era un sonido que sacudía las paredes,llenaba las congregaciones de optimismo y hacía saber a Satanás que no era él quien tenía las mejores melodías.
De aquí tomaron inspiración vital talentos tan diversos como San Cooke,Aretha Franklin,Billy Preston,Ray Charles,James Brown y John Coltrane.Y tras comprobar que muchos músicos negros provenían de un ambiente religioso,parecía natural que tales influencias acabasen por aflorar.
Aunque hasta mediados de los cincuenta la música inspiracional negra americana estuvo dominada por algunos diseños de piano de una extravagancia espectacular,el órgano eléctrico ideado por Hammond y Wurlitzer pasó a ser contemporáneo simultáneamente tanto en la iglesia como en el jazz.
El fin de la segunda guerra mundial implicó una política de ¨apretarse el cinturón¨.A medida que la maquinaria de guerra se acercaba a un punto muerto,el dinero rápido era más difícil de conseguir y los dólares disponibles se quedaban en la cartera.De pronto,el órgano,la guitarra,la batería y (más frecuentemente) el saxo se convirtierón en el combo de club ideal,capaz de armar tanto ruido como una ¨big band¨ pero a un coste muy inferior.
El antiguo teclista estrella de Louis Jordan,Wild Bill Davis,y el entonces popular dúo formado por el saxo tenor Eddie¨Lockjaw¨ Davis y la organista Shirley Scott se encontraban entre los primeros que revelaron las posibilidades comerciales de este instrumento antes rechazado.Muy pronto,los combos encabezados por un órgano incluyerón dos instrumentos metálicos de viento,un piano,bajo y batería como la alineación típica del jazz.Durante años,el órgano había ocupado la misma posición de ¨persona non grata¨ dentro del jazz,la misma que el saxofón protagonizó algunas décadas antes.Mientras que fue Coleman hawkins quien elevó el saxo tenor a instrumento jazzístico genuino,Jimmy Smith creó casi en solitario un nuevo papel en el mundo del jazz para el órgano elétrico.
Jimmy Smiht revolucionó el papel del órgano como un instrumento legítimo de jazz a través de una serie de álbumes para Blue Note que comenzaron con sus versiones iniciales de The Preacher y The Champ en A New Star-A New Sound.Mientras que los saxos tenores de Young Guns siempre intentan ganarse una reputación a costa de otros,los organistas evitaron enfrascarse en cualquier confrontación desigual con Jimmy Smith,cuya supremacía total nunca ha sido retada.No se le apodó ¨The Incredible¨ sin una buena razón.Tal dominio sobre un instrumento ha garantizado a Jimmy Smith un lugar en la categoría de virtuoso junto a hombres como Bird,Diz,Press y Miles.
Jimmy McGriff,seguidor declarado de Smith y estrella en las listas de ventas que planeaba la nueva versión instrumental de I Got a Woman,de Ray Charles,eludió la cuestión insistiendo en que ¨Lo que yo toco no es jazz en realidad...es algo a medio camino.Sólo swing antiguo con un efecto de jazz¨.
Toda esta actividad no se restringía únicamente al jazz,ya que el órgano eléctrico desempeñó un papel decisivo en el desarollo del R&B y el soul y,más tarde del pop.De entre los muchísimos combos de órgano,creadores de superventas como Honky Tonk(Bill Doggett),Green Onions(Booker T & The MGs),Billy´s Bag(Billy Preston),You Can´t Sit Down(Phil Upchurch) o I Got A Woman(Jimmy McGriff),el órgano ocupó el segundo lugar como el principal sonido del pop después de la guitarra elétrica.
JP.Lambert.
Pd.Feliz 2010!!!! y que los Reyes Magos os traigan alguno de vuestros sueños materialistas.
Un abrazo!!!!!
Hola JP. Siempre enriquecedor leerte y este ultimo post no iba a ser menos. La casualidad quiso que Louis Jordan apareciese por mi blog a la par que tus palabras. La musica no hubiese ni seria lo mismo sin el organo, sobre todo el R&b y el Soul. ¡¡YOU CAN'T SIT DOWN!!, ¡PLAS, PLAS , PLAS!
ResponderEliminarJero!!
ResponderEliminarTal y como comentaba en otro sitio dentro de este fantástico blog, el Hammond llega al Soul/ R&B de la mano de Billy Larkin y sus Delegates, abriéndose la brecha hacia sonidos menos ligados al Jazz, tal y como canónicamente se puede/podía entender en su momento.
Tema iglesia. Interesantísimo.
A mediados/finales de los años 50, un enorme plantel de artistas abandonaron, no exentos de críticas y excomuniones enfervorizadas, la música de iglesia, para adaptar su canto a formas musicales 'paganas' agrupadas bajo la etiqueta de R&B.
El R&B como tal ya existía, pero, de alguna manera, no fue hasta que Sam Cooke dio el paso de la iglesia a la canción no religiosa que un enorme número de artistas hizo el mismo viraje. Fue aquel momento en el que artistas de color empezaron a entrar en el billboard de R&B (cuantitativamente igualado a las listas de éxitos del God-Spell) y, sobre todo, el de Pop (de mucho mayor alcance, por motivos obvios).
Coke hizo algo más, controlando su propia carrera al margen de la sociedad blanca (y, por tanto, motivando a que muchos otros artistas siguieran suu camino), y descubriendo en iglesias a artistas a quienes hizo grabar para su sello SAR temas profanos (un ej. que me gusta mucho: Patience Valentine).
Ray Charles supuso el traspaso definitivo, dejando intactas todas las peculiaridades técnicas del canto y orquestación de iglesia, y cambiando tan sólo las letras de las canciones. Que ya no hablaban de Dios, sino de mujeres, dinero y otros motivos mundanos de exhultación.
Aretha fue un ejemplo un poco diferente, pues quienes compartieron con ella su infancia y adolescencia (y, por tanto, primeros pasos en el mundo musical) atestiguan su fuerte atadura con el padre, el reverendo Clarence LeVaughn Franklin; dicador y exitoso cantante en las listas de música religiosa.
Aretha buscó su camino de una manera más personal y, sin duda, tardía. Y hasta que no definió su sonido en Muscle Shoals y aledaños, pasó cerca de una década entre sellos pequeños y un gran contrato con Columbia, donde estuvo jugueteando con varios estilos y hemulando a artistas admiradas por ella como, sobre todo, Dinah Washington.
James Brown, por su parte, encaminó casi enseguida su carrera en el campo del R&B, adoptando una imagen popular, la de "más grande trabajador del showbiz", al lado de miles de artistas contemporáneos que anteponían a sus nombres títulos tales como "Sir", "Count" o "Duke".
Por último, en el binomio R&B-iglesia/ pecado-pureza no se puede dejar de lado, en mi opinión, a Solomon Burke. Él mismo predicador, y jefe de su propia iglesia. Y cuyo marca de fábrica era, precisamente, la de crear entre él y su público, una suerte de catarsis cuasi-religiosa, a través de canciones profanas.
Bueno.. y feliz año.
... Y perdón por la brasa! ;-)
Alberto
Gracias Javier!!!! el placer es mio por tenerte como lector.
ResponderEliminarAlbert tus puntualizaciones y aportaciones, nunca son una brasa.Son como en este caso,el vértice que completa la pirámide.
Un abrazo para ambos!!!!